前两天（7月29日），米哈游主办了一个蛮有趣的音乐主题论坛。
临近结尾的时候，有个我觉得很有趣的圆桌讨论：聊游戏音乐能不能自负盈亏，然后成游戏IP高全球化的重要助力。话题蛮大，但这帮人可真有实操经验。你看聊的阵容就知道：
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蔡近翰， HOYO-MiX的主理人，搞了国内游戏行业独此一家的in-house音乐厂牌；
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安栋，上海音乐学院的教授，做过游戏音乐总监，也负责过许多大型游戏音乐会；
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丁楠，她所在的环球音乐集团是全球最大的唱片公司，也做过《使命召唤》等项目；
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柴徐骏，之前B站搞的大型线下活动“BML”就是他和团队一手策划起来的；
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杨薇，腾讯音乐娱乐集团内容合作部总监，所在的TME也是国内最大的音乐平台……
之前一位游戏音乐人告诉我，米哈游其实让行业开始相信：游戏音乐不仅能为游戏IP带去超预期的传播效果，甚至还有了自负盈亏的能力，成为游戏厂商独立盈利的项目……如果你觉得米哈游只是财大气粗的个例，这个想法距离国内行业的普通人还是太远……那我蛮建议你看看这次圆桌：有关商业模式、人才培养，这帮人已经指明了很多东西。大家聊得有些嗨，内容有些长，但也展示了国内游戏行业一个有趣的选项。
我想问问柴总，你是线下方面的专家，你怎么看待音乐线下演出？柴徐骏：肯定。游戏音乐，在欧美和日本已经有了正向的商业模式，而且还能作为了独立内容去向市场释放。随着国内市场需求增长，现在很多游戏厂商也关注到了游戏音乐是非常重要的一环。不过，受制于认知，大家还是把自己看成游戏公司，而不是全方位IP的公司。柴徐骏：对，国内大部分游戏音乐会，还是市场部门主导。市场花一大笔钱，去做一个规模不大的单次演出，作为周年庆的一环。——类似于放烟花的时候，大烟花一炸，啪，就结束了。蔡近翰：我们也发现，很多公司做内容都要“更高更快更强”，花一堆钱，收支不平衡。柴徐骏：市场部怎么想？做这东西花钱花精力，没法回本，还有很大的压力和风险。一来参与人数有限；二来，它根本就不是商业模式，只是一个花钱的市场活动。但其实你看成熟市场，他们已经有非常多专业做演出的公司，还有专业的人。——专业的人可以根据优质IP内容，去做符合商业逻辑的活动。所以，我们可以尝试考虑用授权、共建，或者制作委员会的形式，交给他们去做……蔡近翰：那我有个尖锐的问题——如果外包对游戏内容毫不了解，做出了不符合玩家的内容。这怎么办？这两年我跟的《原神》《星铁》音乐会，就有非常高的水平，得到了玩家很高的认可，也有了引领的效果。但回想一下，如果我们将这一切都交给三方去做，没有专业的人去跟，就存在风险。对于三方来说，这就是一个商单，做出来可能会被玩家喷。之前也出现过类似的情况。所以怎么启动？怎么在可控预算内做好？找人对不对……都是问题。柴徐骏：大家当然想保护自己的内容，但我觉得，这是一个行业成长时必须经历的过程。一步步地辨别哪些人更专业，更了解游戏内容，了解游戏音乐……如果你不踏出这一步，所有人都是原地踏步。更重要的是，我们需要一开始设计好一个目标，然后反推。不能是无止境地推。正向的商业模式就是成长的土壤，能让人赚到钱……产业才会变大，才会有岗位，才能让产业上升。我当年去录《原神》，到英国的Studio，发现连打节拍都有专门的人负责；后来去美国录音，光是打谱的费用，就要4500美元。你看，游戏音乐的用户，和听古典、看交响的那一批观众还不同。其实，他们原本是没有为音乐付费习惯的，可因为游戏IP，他们走出了家门，就这么成了全新的用户。新用户，对于哪儿的文旅和地方消费来说，都是好事情。蔡近翰：你如果在贵州办一个演唱会，大家听到了都会往那个地方去。多做几场就有回本的可能了。安栋：说到这个，其实我觉得玩家比交响乐迷要求更高。我举一个例子。去年我们在梅奔做《原神》的音乐会，现场288个乐手，其中90%是演奏过原曲的。可是，玩家是要所有的细节都一模一样，要现场和游戏里面听到的是完全一样的。你想，这么复杂的作品，要200多个工匠现场同时画出来……这是很吓人的。安栋：区别在于，这些玩家都反反复复听了这些音乐成千上万次。有人说，这个地方为什么钢琴弹得这么柔？处理得这么轻？——那人还挺好，他说安栋老师还挺会设计，把这个地方拿掉了……不是，其实就是没有演出来。第二天，我总结了一张纸，在乐队排练的时候拿着话筒念，一处处地说哪里弹错了，哪里处理不对……之前我们很少有这样的压力。后来《星铁》的音乐会也一样。宫奇你还记得不，彩排星穹铁道的时候，我就给乐手说，这地方你百分百不能出错，人家一下就能听出的。那么多人一起演奏，我们其实希望有time code，把所有细节全部标注出来。但是有个很大的风险，一旦死机，所有演出全部完蛋了。我合作的音响总监是当年参与过北京奥运会声音设计的金少刚老师，他跟我说：“奥运会开幕式都没这样过……”这真的是很吓人的工程。你面对这么多玩家，一出错就完蛋了。蔡近翰：其实大家愿意来线下，还有个前提是大家对你的作品认可。所以，杨薇老师这边，如何看游戏音乐这两年在平台上的流量趋势？前两天，知道要参加这个活动，我就说正好翻翻游戏音乐现在的市场情况——2020年，游戏音乐上架作品量是1500+首；到了2023年，单年度上架就有了7000+首。所以，短短三年，游戏音乐的上架数量，是呈倍数级增长。二是，大家以前懒得上架，但现在注重游戏音乐的传播，所以上了。我举一个例子，前段时间，我们和《星铁》x张杰的《不眠之夜》合作，在TME音乐首发。那段时间，我们和游戏做了很多的互动，还有一些联名任务、勋章的玩法。——张杰的粉丝喜欢，玩家也喜欢，大家都去冲榜，就让这首歌的榜单数据非常好。现在可以看到，《不眠之夜》半年就有了200万的收藏。其中一部分的原因是：游戏音乐非常注重品质，它也在不断寻求破圈，寻求更多听众。现在，游戏音乐还要突围二次元领域的用户，甚至触达更广泛的大众。还有个更爆更广为人知的案例：《孤勇者》就是如此，不断传播，然后成了很破圈的歌曲。当年，我们《Rubia》做起来，结果《孤勇者》横空出世……啧，太强了。后来，我们也能看到越来越多的歌手愿意参与进来创作。这些作品，通过平台合作，通过歌迷和粉丝的裂变，就实现了影响力扩大。蔡近翰：之前一个游戏音乐的前辈也和我们讨论过，怎么让游戏音乐人的作品被大家听到……这么多年下来，HOYO-MiX也有一些打歌的方法论。我可以给大家一些答案：你只要在一张专辑里面放一首人声曲就行，用它来带动其他所有纯音乐的作品。杨薇：你用这样的理念来做，就可以吸引更多人进来，成为一个宽泛的娱乐。我们和腾讯长期的合作，看到作品的后台数据，然后一直在不断调整自己的创作方向。你当然可以不停向着一个方向走，搞文艺复兴，做小众表达；我是认为要随着市场走，去和玩家共鸣，让自己不在变迁里被淘汰。之所以我们要自己做团队，也是为了用一个统一的价值观和方式，来引领大家的创作方向。比如，中途我们也有不少小伙伴离开了in-house的环境，去做外包。我觉得，内部团队确实不是游戏音乐发展的唯一解，外包也有自己的优势，包括请海外音乐人来做也有他的优势。蔡近翰：正好有一个有关人才的问题想请教一下安栋教授：您如何看待传统学院培养出来的人才，与当下市场需求不太匹配的问题？我个人感知，现在音乐学院培养出来的不少人才，其实更偏影视化人才。可是，游戏音乐是一个非线性的过程，需要玩家参与到体验中。打个比方，一个朴实、清新的村庄，就不需要那么多起承转合，也不需要恢弘。但是，很多音乐人容易用力过猛，觉得十分吃力，所以匹配度也比较差。其实，游戏音乐现在有一个转变——尤其在上海——已经逐步上了主流table，被视作了一种产业、文化来对待。什么是教育的滞后？我们看到了市场发展，去设置培养路径，中间再等等看方向对不对……这一等就是5-6年。所以，国内游戏音乐的人才培养是滞后的。也很正常，毕竟它还涉及到社会对游戏价值的认定。现在不一样了，包括米哈游《原神》在内的很多游戏，已经成为了一个个文化传播品牌，性质不同了。蔡近翰：您觉得什么样的课程体系能让毕业生顺利地加入到游戏行业？你学到的东西，可能要去做游戏音乐，可能要给一个全新载体……教育的关键，就在于有没有设置这个应用。教育应该专门设置针对游戏培养的训练课程，还要加入行业导师才行。举个例子，假如我们去教一个毕生都没涉猎过的领域，却成了权威……这对于应用音乐来说是有问题的。之前我在美国做过一个作品的后期，拿过金曲奖提名。当时是和一个音乐人合作，我看他混音思路蛮清楚的，问他，你哪个学校毕业的。很多念了书、刚毕业的音乐人直接去游戏项目面试，反而是不一定被看上的。安栋：也就是说，只要给到机会，在任何一个行业，中国的人才都是可以起来的。但前提是，一定要有一个公平的竞争环境，有一个合适的市场竞争。所以在2019年，我们就和米哈游的HOYO-MiX做了一个有意思的事情：全球游戏作曲比赛。这个比赛没有任何目的，就是让大家创作作品，然后让全球来评审，其中50%以上都是日本欧美的顶尖音乐人。一开始有些很尴尬的情况，就老是外国人获奖，把我们的奖金拿走了。不过我们也可以发现，中国选手的水平和全球作曲是越来越接近的。通过这样的比赛，大家可以看到更多人才的表现，也接触到更多的游戏音乐创作。如果教育再跟上，那么人才能应用的场景就更多一些，得到的信息和综合训练也会更多。杨薇：其实现在游戏音乐对从业者的应用要求其实蛮高的。一来，你要满足场景需求；二来，我们还要做出能让大众产生共鸣的作品，给IP做出传播效果。我们也和HOYO-MiX的小伙伴合作了很久，看得到，大家的素养很高。所以现在也能看到，《原神》《星铁》音乐受到市场的欢迎。安栋：当初，我们和米哈游合作的一个很重要的原因就是，米哈游是国内最早建立音乐厂牌和原创团队的公司。你看，内部就会觉得，这是我的事情，我会不停follow，而不会觉得case结束了就不管了。我最早做大型的游戏音乐会的时候，总谱上面一般的签名都是国外的作曲家。我和HOYO-MiX合作过很多次，看得到他们的一个态度：不顾一切地在任何一个环节追求高水准。我觉得，这也是我们搞教育的使命。大家觉得我们好了，那我们能不能更好？能不能做到国际水准？所以，我们也要鼓励中国的原创。其实中国原创作曲里面，也有很多高水准的创作者。丁楠：中国很少有米哈游和HOYO-MiX这样的案例——就是，他们用自研游戏的思路，来做音乐。这真的太难得了。海外肯定有一些游戏公司，会有自己的团队，有一些对自己音乐属性的要求。难能可贵的是，米哈游这样的公司，一方面有团队建设，一方面有审美，对自己的音乐有不同的要求。每次看到版本推出的时候，有新的元素，有中国风，有世界各地的民乐乐器、曲风、节奏，以及音乐与游戏本身的整合……这些都是在中国大部分厂商还在用外包团队的时候，很特殊的存在。中国很多厂商最近也开始有了自己的原创音乐团队，这就是很好的风气。国内音乐也经历过一段黑暗的时刻，大家会觉得音乐就该免费。游戏音乐也一度被贴上低廉的标签，一两天就写一首。非常廉价的产出。还有人专门做这种生意。当初，我们开始做这个生意的时候，盘子是很差的，真是一步步好不容易才做到今天这个样子。所以，我们也很感谢安教授一直在陪我们做产学研，做游戏音乐比赛。我们也没有什么比赛第一名就来米哈游上班的说法，从来没有，这么多年，就挖了一个人。——就一个目标，HOYO-MiX要让后来者觉得，做游戏音乐是一件很帅气的事情。过去，观众只会去关注久石让、坂本龙一这些外国的大佬。这些年，HOYO-MiX给大家作品署名，给大家拍纪录片……我们就是为了让大家的声音被听见。如果声音不被知晓，人才作为素人，就这么埋没，又谈何培养呢？
蔡近翰：还有最后一个话题，也就是文化出海。
丁楠：环球作为世界上最大的唱片公司，我们在60多个国家都有自己的办事处和公司。我们能看到，每一个地区，无论亚太、中东、巴西，都有自己很强烈的风格。但无论什么作品出海，都会回归到一个点：我们是否和海外大众有共鸣。现在国内很多游戏厂商，其实在海外也有了很高的知名度，也有不错的IP作品。那么我个人觉得，游戏音乐就是一个世界性的语言，用音乐讲IP故事，是一件四两拨千斤的事情。丁楠：我觉得有两个方面要做，一个广度，一个是深度。其实，国内现在游戏音乐的制作，已经非常精良且成规模，达到了交响乐的水平。前段时间，我们一位非常资深的同事听到来自中国的交响乐的时候，就觉得很惊艳。关键在于，游戏音乐要寻找到自己的方式和渠道，去出海，然后触达到更多的玩家。单从平台来看，中国有TME，韩国是Melon，法国是Deezer……其实古典音乐也有自己的流媒体。蔡近翰：什么音乐用什么样的方式去传播，就是一门值得研究的课题。丁楠：再说一下深度——我觉得和刚才提到的活动有相关性。《使命召唤》和我们合作过。一个老牌的射击游戏。之前它出了新作，面临一个问题：老玩家怎么盘活？怎么让新玩家知道自己的动向？怎么展示新的玩法？出于多方考虑，他们决定用音乐来做这件事，和环球音乐集团来合作，在英法德三地做了启动。其中，法国和德国的案例比较有趣。我这里简单分享一下。大家觉得现在法国的游戏玩家年轻人，会主要听什么流派音乐？——不是什么你想象的古典，或者流行，而是“法语嘻哈”。我们究竟是否了解当地的年轻受众所喜欢的东西？他们的文化是什么？他们在看什么？听什么？用什么社交媒体？所以，我们根据《使命召唤》的受众，判断要在法国这个地区做起来，就要用法语嘻哈的方式。那之后，我们找了环球的两个演员，用了嘻哈battle的方式，顺便表达了游戏竞技对抗的feature。《使命召唤》有一个隐藏地图，他们希望引起玩家的好奇心，让大家去寻找这个隐藏地图。我们就和一个DJ合作，做了一个线下的Livehouse，然后在社交媒体上埋了一些线，引导大家去寻找这个地图。还有一个：游戏里面有一个场景，玩家可以在德国现实世界里面找到一个一模一样的地方。蔡近翰：这个蛮好的，线上+线下+游戏+音乐整合在一起的案例。丁楠：综合刚才所说的，我们先有广度，铺得足够广，铺到各个地区，触达到更多的用户。过去，HOYO-MiX也在尝试加入了一些文化元素进去，比如说传统乐器、侗族大歌等等……如果你用的好，大家肯定会认可，知道有意思。但会不会持续关注？就不知道了。毕竟还有一个大前提是，我们做的东西到底受不受老外接受？他们的年轻人到底在干什么？基于这些观察，我们是不是需要做一些更取巧的方式，去做一些世界大同，大家都认可的内容呢？谁讲故事？怎么讲？怎么用外国的受众能理解的方式来讲？在大多数的流媒体上面，会分类为世界音乐，如果你要让他们感知到，可能要试试EDM，可能要走一个传统古典……当初做《原神》的时候，我们学习其他国家的风格，我们不懂他们的语言。我们给对面说，我们可能会搞砸，可以吗？对面会说：可以啊！只要你用上我们的元素，我们就真的超满意了。全球的玩家没有特别清晰的界限——看推广的时候当然有，但玩游戏的时候是包容的。无论是听到了日本、印度，还是非洲的音乐，他们都OK。《原神》《星铁》都是如此。这是很特别的现象。游戏音乐已经成了一种很国际化的语言，一种包容一切的音乐，也成了一种主流。——就是，年轻人听到这些东西，地域色彩是一种素描，一种颜色，不是很原始的感觉，他会觉得很酷。当然，这还是一种基于产品本身站得住脚，喜欢游戏，然后爱屋及乌地喜欢上游戏音乐。蔡近翰：也就是，只有产品足够地国际化，你才有那种机会，接受到来自世界范围内所有玩家对你的反馈，甚至是批判。你办不到这个，做一个很小众的产品，只能在小圈子里很火……你收不到反馈，也很难进步。一句话是：种一棵树，最好的时机是10年前，其次就是现在。最终中国的游戏音乐只要能站在世界的舞台上，不管是谁，自然也有后来人，谢谢。
