最近，业内对抄袭非常敏感。几乎任何一个新产品出来，大家第一反应是去找原型。这种现象不难理解，国内游戏行业站在玩法创新这道门槛面前，已经踟蹰不前好多年了。

当然，相信这种现象会慢慢有所改观，因为在一些领域，给玩家新体验的产品，一直在不断出现，换个角度来审视市场，或许会有一些新的发现。以音乐游戏领域为例，在近些年不同产品迭代的过程中，不时能看到一些差异化打法、微创新思路，以及独特体验的塑造手法。

音游的创新门槛

在谈音游玩法迭代和创新之前，需要明确的是，音游的范畴很广，大致可以分为简单化的节奏类玩法游戏，以及音乐复杂化的演奏类游戏。

前者以单个和少数个音乐元素为基准进行设计，兼容性很高，可以跟不同的玩法融合起来形成独特性很强的核心乐趣，比如《节奏地牢》，不在本文讨论范围内（亦不讨论舞蹈类游戏）。

后者是纯音乐演奏向的游戏，涵盖了大多数核心向音游。玩家往往需要面对游戏中大量的音乐元素，不仅找到节奏感，还需要找到韵律感，从而进行演奏。演奏感的好坏，决定音游给人体验的优劣，这种感觉通常来说需要依靠视觉、触觉、听觉三个维度的反馈来增强。

这种机制让音游本身的玩法设计非常受限，很难跨越平台做创新。比如街机时代由于人机交互的面积非常大，触屏和按键的反馈效果极强，所以不同作品的玩法差异性也很大。

比如《Jubeat（乐动魔方）》是典型的纯触屏按键类音游，《maimai（舞萌）》则是强调外围8个实体按键的音游，《太鼓达人》便是纯粹玩锤子的游戏。它们的人机交互范围都不同，此外的一些街机音游设计逻辑，也几乎围绕交互区域、交互方式、按键作用逻辑（比如旋钮）来做文章，创新也离不开这些方面。

所以说，让音游玩法实现大幅度迭代的，事实上只有设备的迁移，比如到PC端、到掌机端、到移动端。而即便到了这些平台，音游的核心玩法依然万变不离其宗，目的都是为了让玩家抓住音乐中的元素，演奏出来。

于是可以看到，不论后来哪些平台，大多数音乐游戏都会采用按键+判定线组合的核心玩法，无非是在表现形式和判定逻辑上做变则，这边是音游谈创新最大的门槛，它无法突破核心体验要求的基本规则。

有限空间下的迭代

最近一两年，移动端出了不少的优秀音游作品，而且放在一起，差异化非常明显，即便深入去体验，也很难找到同质化的感觉。大致来说他们的迭代思路可以分为几类，一是为新平台做适配，二是在已有玩法上做反馈升级，三是构建新的体验形式。

第一类做法的音游非常多，比如雷亚早期的《Cytus》，它的思路即是找到移动端人机交互界面最大化利用的方式，然后呈现出来。在传统的固定判定线上做改变，让判定线动起来，划过固定出现的按键，颠倒整个的判定逻辑。

这样做的好处是将几乎整块屏幕利用了起来，在屏幕很小的手机上，给手指更多的操作空间。相比起单纯移植已有的街机、主机游戏而言，这套思路显然更适合移动端用户的操作习惯。

同样的逻辑在《HachiHachi》中也运用到了，这款游戏是由香港团队Skytree开发的，被玩家叫做“滚筒洗衣机”的玩法，在街机中也不算罕见。只不过它在移动端的优势，是将判定区域用圆形规划起来，同样增加了交互的有效范围。

另外，同由香港团队C4Cat开发的音游《Dynamix》，也是早期尝试移动端适配问题的产品之一，只不过它的做法在当时的门槛更高一些。它采用了3面判定线的模式（通常来说判定线为一面，包括线形、弧形、圆形，按键掉落逻辑容易被玩家掌握），分布在左右下三处，除了增加了交互范围，也增加了玩家动态视力和运动逻辑判断的难度。

此外还有很多音游，在早期都采用了这类方式去主打移动端，此处不过多展开。

第二类迭代的音游产品，在近一两年出现的比较多，大都基于早期固定下来被玩家接受的玩法，在进行差异化上的迭代。

《Cytus》自身的迭代就不用多说了，由于初代比较成功，玩家接受度高，所以二代《Cytus2》只是在几个细节操作上做了改变，比如加入判定逻辑不同的几个键位，加入变速等。而由于曲目演奏的反馈很容易受到规则的影响，所以这些改动，对演奏反馈的改变依旧很大。

来自台湾的团队Noxy Games开发了一款音游《Lanota》，它也采用了圆形判定的基础规则，但是他们还做了大量的规则改变。判定线在这款游戏中不在是固定的区域，而是会随着曲目的演奏，不断地变换。这导致玩家对按键掉落的预判也在不断地改变，在阅读谱面的门槛之外，还增加了一道反应速度的难度限制。

而且由于判定区域的位置改变，有些时候它只会露出一部分区域，甚至兼容弧形判定、按键下落式判定等几种基础的操作习惯，兼容性确实很强。

在玩法迭代上，英国团队lowiro（实际上他们的成员来自世界各地）制作的《Arcaea》给人的惊喜最多。这款音游在传统的下落式单判定线的基础上，增加了一个判定面，按键会漂浮于原本的轨道之上，然后还可能出现不规则的条状按键，蠕动在整个判定区域内，可以称得上有史以来最蛇皮的移动音游。

实际体验中，这套玩法的颠覆性确实很强，不仅强行扭转玩家对判定区域的理解方式，对立体阅读能力做很高的要求，还让谱面设计有了非常大的扩展空间，玩出各种花样操作。

第三种迭代逻辑事实上是移动音游主题化趋势的延伸。《Cytus》和《Deemo》在故事性上给玩家造成了非常大的影响，特别是《Deemo》对“演奏钢琴”这一场景的氛围渲染，配合故事的感情烘托，感动了葡萄君在内的大量音游玩家。

由于音乐本就可以承载万千情感，于是从这个角度出发，后续一些音游开始尝试主题化的包装。比如雷亚自身的《Voez》主打的就是年轻化的标签，将判定轨道变化、色彩搭配，围绕几名主角来运作；《Cytus2》当中又用角色背景来定义曲风，定义故事情节。

此前国内团队同步音律制作的《Musynx（同步音律喵赛克）》，主打的也是风格化。它用大量的二次元同人曲、宅舞曲、圈内热门曲来奠定曲风的基调，又用非常有正对性的UI主题曲包装不同的曲目，打萌妹、中二少年、大触等不同圈层。

日本团队COLLESTA制作的《STELLIGHTS 》在玩法上采用的是双圆弧，近似圆形的判定区域，它基本的操作玩法与此前几款同类作品差异不大，但在美术、特效等风格化的包装上，做得极其精致，显然是在塑造一种穿越星海的演奏体验。

趣奇互娱的白栩曾经制作的《Lethe》也是走体验差异化的音游，一方面是弱化了传统判定的基本规则，将案件判定拆分出来，融入到场景的切换和特效中，另一方面是让整个演奏流程更趋近于歌剧的表现形式，与故事融合起来。自然这款音游的演奏体验，与其他产品的差异就非常大了。

另外，近一段时间心动发行、PeroPeroGames研发的《Muse Dash》也在用风格化来打市场效应，日漫糅合美漫卡通的风格，结合日系风格浓重的曲目，再加上Live2D等技术，来表现一个非常跃动的演奏氛围。演奏过程又简化了按键复杂度，用双键判定，主要抓鼓点、贝斯的模式，来适配打怪闯关的关卡表现形式。给玩家的，差异感非常突出。

尽管这些游戏的内核都是一个点：演奏，但实际的体验并不相同，如果再考虑演奏时细节按键操作逻辑的变化，他们的可迭代空间还能更大，还能玩出更多的花样。

创新不该局限于玩法

上面提到的音游都处在一个相对小众的领域，互相之间抬头不见低头见，玩家的重合度也很高。但是在这些产品身上，不仅很难看到同质化的影子，也几乎看不到音游玩家因为玩法相似而起争执的情形，倒是之前有不少观点认为《尼山萨满》借鉴了《啪嗒砰》。

然而《尼山萨满》的判定逻辑完全是按键+判定线的组合，并且抓了大量的乐曲元素（包括人声、鼓点等等），《啪嗒砰》则是以固定按键顺序对应固定节奏，来推动角色闯关的玩法逻辑，两者实在相去甚远。非要说相似，也只有剪影美术风格（然而这依然不能混为一谈）和往前走这两个点。

类似的观点似乎透露着一种对创新偏执，或许代表了从业者强烈希望新产品有新玩法的心情。然而在葡萄君看来，玩法并不是创新的全部，更重要的是到底给玩家带来了什么样的新体验，这一点在上面提到的诸多音游中表现得非常突出。

他们之所以能够让玩家接受，不仅在于各自细节手感打磨的方向不同，还在于他们对演奏氛围表达的不同，我们几乎很困难看到这些音游在追逐别人的影子，表达跟别人类似的情感。

再放宽一些音游的限定范围来看，很多节奏游戏给人的感受也是千差万别的，比如移动端的《Muse Project（缪斯计划）》塑造了在不同节奏中色彩各异的视听反馈，《Thumper（暴走甲虫）》让然感受到强节奏和金属撞击声带来的冲击力，《Just Shapes & Beats》则给人构建了一个个比自己操作的角色还跳跃的关卡。

就算是创意大厂任天堂，在《节奏天国》里给出的玩法也只有一个：跟着节奏点点划划，保证自己不出糗。

然而这款游戏中的每个小关卡，都是一个活灵活现的场景：玩家扮演的是空手道选手，把一切飞来的东西都打飞；扮演的复活节岛石像，为心仪的她献上一曲；扮演的是猴粉，为偶像打一个整齐Call；扮演的是训练忍者，要斩断所有出现在眼前的事物；扮演的兴趣班的小孩，跟着前辈们的步调练习一个个基本唱功等等。

这些场景化的体验，大可以看做是很多音游主题化运作思路的精华版，它们有趣、欢乐，不管玩家玩得好不好，都能给人留下一段欢快的游戏回忆。